"Przyziemienie!" Świetnie się bawiłem oglądając i recenzując opowieść o zabójcy Smashmouth o tematyce piłkarskiej Raz i przyszłość Smash i Strefa końcowa 2 Skontaktowałem się z twórcami filmu stojącymi za gorehoundem z rusztu. Rozmowy z Sophią Cacciolą i Michaelem J. Epsteinem dały nam więcej informacji na temat tak wysokiego konceptu podwójnego filmu fabularnego, a nawet więcej.

Jakie są wasze doświadczenia jako filmowców?

Oboje dorastaliśmy kochając film i kręcąc filmy z naszymi przyjaciółmi na kamerach VHS, ale potem skupiliśmy się na muzyce. Współpracowaliśmy z innymi reżyserami przy tworzeniu teledysków dla naszych zespołów, co zakończyło się sporym sukcesem! Zespół Michaela, The Motion Sick, udostępnił teledysk do swojej piosenki „30 Lives” w mniejszych sieciach MTV i znalazł się on w kilku grach Dance Dance Revolution. Teledysk zespołu Sophii Do Not Forsake Me Oh My Darling do „Episode 1 – Arrival” został przedstawiony w TIME jako najlepszy teledysk roku. 

Zdaliśmy sobie sprawę, że chcemy nakręcić więcej filmów, więc po prostu kupiliśmy kilka niedrogich aparatów cyfrowych i wskoczyliśmy. Jedna rzecz prowadziła do drugiej iw ciągu mniej więcej roku kręciliśmy nasz pierwszy film fabularny. 

Co było inspiracją dla The Once And Future Smash i End Zone 2? Który był pierwszy?

Fascynuje nas eksplozja kultury fandomu grozy. Nieszczególnie lubimy chodzić na konwencje lub zbierać podpisy, ale uważamy, że wokół tego wszystkiego jest wspaniała i niesamowita społeczność. Istnieje również wiele interesujących polityk dotyczących relacji między aktorami. Słyszeliśmy historie o sporach o to, kto faktycznie grał zamaskowane role, które są trudne do potwierdzenia w niektórych filmach i pomyśleliśmy, że może to być interesujący punkt wejścia do świata konwencji.

Michael rozmawiał z naszym przyjacielem Nealem Jonesem, który od dłuższego czasu prowadzi podcast Without Your Head iz przerażeniem przeprowadza wywiady z prawie wszystkimi. Neal wspomniał, że jeden z jego byłych gości skarżył się, kiedy ogłosił nadchodzącego gościa, ponieważ mieli publiczny spór co do tego, kto zasługuje na uznanie za zamaskowaną rolę, którą obaj odegrali. Michael wspomniał Nealowi, że ma koncepcję scenariusza takiej historii, ale nie planuje jej pisać, ponieważ wymagałoby to dostępu do konwencji i innych kosztownych elementów produkcji.

Neal zameldował się u swoich przyjaciół na konwencji Mad Monster Party, którzy szybko zgodzili się, aby Neal mógł tam kręcić. Neal i Michael zastanawiali się, kogo chcieliby obsadzić w filmie, i pierwsze dwie osoby, które przyszły im do głowy, to Bill Weeden i Michael St. Michaels. Bez scenariusza zapytaliśmy ich obu, czy byliby zainteresowani konceptem i kręceniem w Mad Monster. To było pod koniec lipca 2019 roku. Wiedzieliśmy, że będziemy musieli kręcić Mad Monster w lutym 2020 roku, więc Michael zabrał się do pisania scenariusza tak szybko, jak to możliwe, podczas gdy Neal zaczął zastanawiać się, który z jego byłych gości mógłby chcieć wziąć w tym udział . 

Wiedzieliśmy również, że będziemy musieli nakręcić End Zone 2 przed konwentem, aby mieć fotosy i inne materiały do ​​scenografii, więc zaplanowaliśmy rozpoczęcie produkcji w grudniu 2019 r. Napisaliśmy zarys End Zone 2, a następnie przywieźliśmy nasze przyjaciela Briana W. Smitha, aby napisał wstępną wersję scenariusza. Odzyskaliśmy to na początku października i nakręciliśmy End Zone 2 w tydzień w grudniu 2019 roku. 

Jak wpadłeś na Smash-Mouth i jego projekt/tło jako postaci z slashera? W tym jego charakterystyczne hasło „Touchdown!”?

Wiedzieliśmy, że chcemy zrobić ten film, ale nie mieliśmy pojęcia, jaki będzie film w filmie. Chcieliśmy mieć charakterystyczną, czującą postać, która hipotetycznie mogłaby mieć wpływ na wszystkie główne ikony slasherów. Wiedzieliśmy, że chcemy czegoś naprawdę ponadprzeciętnego pod względem wyglądu i osobowości. 

Przeprowadziliśmy burzę mózgów w nazwach ze słowami takimi jak „cięcie” i „zabicie”, a Sophia powiedziała żartobliwie „Smash-Mouth”. Śmialiśmy się, a potem pomyśleliśmy, że to zabawna nazwa, a także daje wizualną cechę załamanego wyglądu. Sprawdziliśmy więc pochodzenie tego terminu i dowiedzieliśmy się, że odnosi się ono do brutalnej, konfrontacyjnej gry w piłkę nożną – futbolu z rozmachem! Stamtąd wszystko potoczyło się jak kula śnieżna – złamana szczęka, piłkarz, „przyłożenie!”

Szczerze mówiąc, nie lubimy piłki nożnej ani nie wiemy zbyt wiele o piłce nożnej, ale przeprowadziliśmy wiele badań na temat historii sprzętu i strojów piłkarskich. Zakochaliśmy się w wyglądzie skinheada i w pewnym sensie opracowaliśmy wokół niego historię. Chcieliśmy, aby End Zone 2 był „współczesnym” filmem z 1970 roku, ale pomyśleliśmy, że End Zone 1 mógł zostać osadzony w okresie, w którym używano skórzanych hełmów. Dowiedzieliśmy się, że zostały porzucone zawodowo około 1950 roku, ale pomyśleliśmy, że może mała szkoła średnia wykorzystałaby je później, i zdecydowaliśmy, że możemy ustawić strefę końcową 1 w 1955 roku i zrobić to 15 lat przed strefą końcową 2 chronologicznie. Złożyliśmy razem (dość drogi) mundur vintage i hełm z eBay i Etsy!

Pozwoliło nam to również zrezygnować z obsadzania w filmie ludzi w wieku licealnym i skupić się na traumie przetrwania, jaką przeżywa wiele slasherów „ostatnich dziewczyn” w sequelach. Dało to również Smash-Mouthowi rodzaj eterycznej, nieszablonowej jakości. Przeszłość nadal prześladuje ich wszystkich. 

Jeśli chodzi o maskę, mieliśmy szczęście, że udało nam się sprowadzić artystę FX, Joe Castro. Pracowaliśmy z nim, aby naprawdę zastanowić się, jak wyglądałaby kultowa maska, gdyby została wykonana pod koniec lat 60. Musiało czuć, że żyje, ale też nie mieć ruchu. Joe opracował wiele koncepcji i wypróbował różne materiały, zanim zdecydował się na idealną maskę, która tak naprawdę ożywiła postać. 

Czy coś było inspirowane twoimi własnymi doświadczeniami na konwentach horrorów?

Michael zdecydowanie starał się uchwycić w scenariuszu jak najwięcej niezręcznych i zabawnych sytuacji z konwencji. Chcieliśmy, aby całość była satyrycznie znajoma dla uczestników konwencji. Skorzystaliśmy też z nadarzających się okazji na zgromadzeniu. Na przykład konkurs kostiumowy nie był w scenariuszu, bo o tym nie wiedzieliśmy. Dowiedzieliśmy się, że gospodarzem był nasz przyjaciel, James Balsamo, i zapytaliśmy go, czy moglibyśmy wejść do AJ przebranego za Smash-Mouth i po prostu sprawić, by przegrał. To było naprawdę wszystko, co daliśmy Jamesowi.

Jak widać na filmie, James NAPRAWDĘ pojechał do miasta na biednym AJ. Chodzi o to, że gigantyczny tłum nie miał pojęcia, że ​​​​to był film, i naprawdę myśleli, że James go zastrasza. Wiele osób podeszło później do Jamesa, aby na niego nakrzyczeć, a później do AJ, aby go pocieszyć. Musieliśmy wyjaśnić, że to nie było prawdziwe. 

Jak wyglądał proces castingu?

Do „The Once and Future Smash” od razu obsadziliśmy Michaela i Billa, więc scenariusz został napisany z myślą o nich. Zaplanowaliśmy już z naszym przyjacielem, AJ Cutlerem, który ma protezę nogi, umieścić go pewnego dnia w horrorze i odciąć mu nogę. Michael wpadł na okropny pomysł, żeby AJ zagrał rolę w End Zone 2, gdzie odcina mu nogę, a potem zagrał syna aktora, który również stracił nogę w podejrzany sposób, co być może było związane z kultową rolą jego ojca . 

Wiedzieliśmy, że AJ jest utalentowany i zabawny, ale nie miał dużego doświadczenia aktorskiego. Rozmawialiśmy z nim i postanowiliśmy zaryzykować i polegać na nim w obu filmach, co było szczególnie ryzykowne, ponieważ jest swego rodzaju pełnomocnikiem publiczności i sercem The Once and Future Smash. Myśleliśmy, że być może będziemy musieli poświęcić dużo czasu i energii, reżyserując go, aby uzyskać takie występy, jakie chcieliśmy, ale był absolutnie naturalny w obu rolach, przygotowywał i przynosił wszystko, co chcieliśmy, więc naprawdę nie musieliśmy w ogóle kierować jego występem. Bill i Michael zdecydowanie czuli się trochę tak, jakby AJ ukradł kilka scen!

W przypadku End Zone 2 wiedzieliśmy, że będziemy kręcić film w bardzo krótkim czasie – okazało się, że było to sześć dni plus jeden dzień odbioru. Wiedzieliśmy również, że chcemy, aby było wiele bardzo długich ujęć, które pasowałyby do stylu w tamtym czasie. W niskobudżetowym świecie lat 1970. nie było ich stać na wszelkiego rodzaju materiały filmowe. Zaplanowaliśmy sesję wokół wynajmu domu w Lake Arrowhead, gdzie wszyscy mieszkają na planie. Wszystko to oznaczało, że potrzebowaliśmy utalentowanych aktorów, którzy rozumieli projekt i nie przeszkadzała im kameralna, rodzinna atmosfera na planie, w której każdy wtrąca się, gdzie tylko może, w takie rzeczy jak gotowanie i sprzątanie. Wszyscy zaangażowani w ten film (łącznie z nami) są również wymienieni pod pseudonimem, więc wymagało to pełnego wpisowego do projektu, aby chcieć być jego częścią.  

Naprawdę rzucamy od przyjaciół i przyjaciół przyjaciół, zamiast korzystać z jakiegokolwiek procesu przesłuchań. Wszyscy członkowie obsady byli wspaniali i znali swoje kwestie na wylot, więc mogliśmy puścić te ponad 6-minutowe sceny bez cięć. 

Jak to było kręcić w konwencji konwentu?

Bardzo trudne! Było głośno i chaotycznie, i naprawdę nie mogliśmy niczego kontrolować. Mieliśmy pozwolenie na kręcenie, ale oczywiście była to faktycznie aktywna konwencja i staraliśmy się zminimalizować to, jak uciążliwi byliśmy dla wszystkich wokół nas i na konwencji. Ludzie z Mad Monster Party i hotel byli dla nas absolutnymi bohaterami! Naprawdę starali się dać nam wszystko, czego potrzebowaliśmy i wesprzeć to przedsięwzięcie.

Nie było nas też stać na transport ludzi do Karoliny Północnej w celu grania w małe role, więc obsadziliśmy większość mniejszych ról na konwencji. To było interesujące, ponieważ czasami byli to ludzie, których znaliśmy lub ludzie zaangażowani w prowadzenie programu, a innym razem, zwłaszcza z dziećmi, było to po prostu podejście do ludzi i powiedzenie: „Hej, chcesz być w film? 

Pisząc scenariusz, Michael starał się również zminimalizować część, która miała miejsce na parkiecie i ogólnie na konwencie. Wiedzieliśmy, że będziemy mieli dostęp do Billa i Michaela przez ograniczony czas, więc wszystko, co przenosiło nas do innych postaci, które mogliśmy sfilmować gdzie indziej, oznaczało więcej czasu na dopracowanie scen, które potrzebowaliśmy na konwencji. 

Nieźle kręciliśmy się z ciosami. Sceny, które nie działały, zostały wycięte w montażu, a klauni odegrali znacznie większą rolę, niż przewidywano!

Kiedy kręcono każdy projekt iw jakiej kolejności? Co wpłynęło na stworzenie stylu retro/klimatu End Zone 2?

End Zone 2 został nakręcony w grudniu 2019 r., A konwentowa część The Once and Future Smash została nakręcona w lutym 2020 r. Po kongresie było dużo opóźnień i przemyśleń z powodu COVID. Skończyliśmy The Once and Future Smash latem 2022 roku.

Aby End Zone 2 była jak najbardziej autentyczna, poza starannym tworzeniem Smash-Mouth, Sophia spędziła dużo czasu na kupowaniu ubrań w stylu vintage oraz ustalaniu garderoby, stylizacji i projektowaniu produkcji. Szukaliśmy odpowiedniej lokalizacji, aby pasowała do epoki i stylu.

Poprosiliśmy obsadę o przestudiowanie bardzo specyficznego stylu aktorskiego z wczesnych lat 70., ponieważ naprawdę chcieliśmy mieć uczciwe, poważne role, nawet jeśli okoliczności w filmie mogą wydawać się głupie. Nie chcieliśmy podchodzić z przymrużeniem oka do żadnej z End Zone 2. Wysłaliśmy odniesienia do horrorów, takich jak Teksańska masakra piłą mechaniczną i Czarne święta, ale poprosiliśmy też obsadę, aby rzucili okiem na wczesne lata 70. naturalne występy w filmach Altmana i Cassavetesa. Odwołaliśmy się do 3 kobiet, kobiety pod wpływem, długiego pożegnania i Klute jako przykładów tego, czego szukaliśmy. 

Jeśli chodzi o elementy techniczne, przeprowadziliśmy wiele badań, aby dowiedzieć się, jaki rodzaj kamery i taśmy filmowej prawdopodobnie zostałby użyty w niskobudżetowym, regionalnym filmie tego rodzaju. Myśleliśmy o zakupie konkretnej kamery i najbliższego sprzętu do nakręcenia filmu, ale po jej wycenie zdaliśmy sobie sprawę, że będziemy musieli kręcić cyfrowo. Sophia była autorką zdjęć do End Zone 2. Wybrała BlackMagic Pocket 4K, ponieważ ma wystarczająco szeroki zakres dynamiczny, aby uchwycić filmowy wygląd, i małą matrycę, która jest bliższa kadrowi 16 mm niż jakakolwiek cyfrowa kamera kinowa. Kupiliśmy wiele starych obiektywów 16 mm i zrobiliśmy kilka zdjęć próbnych, ale ostatecznie zdecydowaliśmy się na zakup DZO Parfocal Zoom. Obiektyw był dostępny w sprzedaży dopiero na mniej niż tydzień przed rozpoczęciem zdjęć. Na szczęście akurat byliśmy w Nowym Jorku i mogliśmy odebrać obiektyw z salonu. 

Podczas kręcenia Sophia celowo ograniczała się do ręcznego powiększania, aby uchwycić niedoskonałości pracy niskobudżetowego aparatu tamtej epoki. Nie chcieliśmy, aby cokolwiek zostało celowo źle nakręcone, ale chcieliśmy stworzyć takie same przeszkody i ograniczenia, jakie mieli filmowcy w tamtym czasie. Aby uzyskać bardziej filmowy wygląd, Sophia użyła również mocnych filtrów Black Promist, aby uwydatnić blask i rozkwit świateł oraz świateł na zdjęciu.

Na potrzeby postu kupiliśmy szeroką gamę pakietów skanów ziarna kliszy i ostatecznie zdecydowaliśmy się zmieszać własne ziarna przy użyciu wielu warstw skanów ziarna. Nie było pętli ani prostego rozwiązania wtyczki, które działałoby dla nas. Podczas montażu Michael rozbił strukturę filmu i zdecydował, gdzie kończą się rolki i gdzie elementy mogły zostać uszkodzone. Umieścił różne ziarna na różnych rolkach i dodał uszkodzenia końców rolek i innych obszarów, które najprawdopodobniej zostały porysowane. Michael zbudował znaczniki wskazujące i umieścił je zgodnie z taktowaniem i odstępami między klatkami, które były używane w tamtej epoce. Jeśli chodzi o dźwięk, Michael nagrał również ostateczny miks dźwięku na kasecie i z powrotem go zdigitalizował, a następnie zmiksował ze źródłem, aby kontrolować ilość szumów, wow i trzepotania. 

Michael również od czasu do czasu celowo dokonywał niedoskonałych edycji i umieszczał Foleya, który pasowałby do epoki. Było też kilka wskazówek Foleya, które zostały celowo wyciszone w ostatnim filmie, jakby ich brakowało. Pomyśleliśmy, że tego rodzaju niedoskonałości pomogły dopasować film do epoki i budżetu.

Jak zmontowałeś część mockumentarnych wywiadów z reżyserem/aktorem/gadającymi głowami?

Kiedy Michael pisał scenariusz, przydzielił kwestie z myślą o konkretnych typach ludzi, ale ze świadomością, że niektórzy mogą nie zgodzić się na zrobienie filmu. Tak więc w oryginalnym scenariuszu mieliśmy „postacie” takie jak „typ Melanie Kinnaman” lub „typ Marka Pattona”. Nasz drugi producent, Neal Jones, odegrał kluczową rolę w obsadzie tej części. Nasza trójka przeprowadziła burzę mózgów na liście osób, które naszym zdaniem mogłyby pasować. Skupiliśmy się na puli gości, których Neal miał na swoim podcaście i ludziach, których znał z prowadzenia paneli na konwencjach i innych tego typu imprezach. Neal zaczął wychodzić do ludzi. Wyjaśnił im koncepcję i to, o co będziemy ich prosić. Niektórzy denerwowali się, jak wypadną w mockumencie, ale wielu od razu wskoczyło na pokład! Neal był bardzo lubiany przez tych ludzi i wierzyli, że nie próbuje przedstawiać nikogo w złym świetle ani nic w tym stylu. 

Po zarezerwowaniu poszczególnych osób przejrzeliśmy scenariusz i ustaliliśmy, które linie mogą być dla nich odpowiednie. Nasza trójka przeprowadziła również burzę mózgów na temat dodatkowych materiałów odnoszących się do ich konkretnej pracy i osobowości. Kręciliśmy je od 2019 roku aż do ostatnich dni przed dostarczeniem na naszą festiwalową premierę latem 2022 roku. Gdy zbliżaliśmy się do końca, nasz redaktor The Once and Future Smash, Aaron Barrocas, również zasugerował materiał do wywiadów, który mógłby wypełnić luki , dodawać dowcipy lub poprawiać kontekst. Bardzo pomocne było przyjrzenie się zgrubnym wycięciom, a następnie nakręcenie dodatkowych gadających bitów, aby rozwiązać problemy i wypełnić luki. 

Z każdą z gadających głów mieliśmy tylko krótki czas, ale naprawdę wszyscy wykonali wspaniałą robotę, angażując się w koncepcję i świętując projekt. Byliśmy bardzo podekscytowani możliwością podzielenia się filmem z wieloma z nich podczas premiery w Los Angeles. Martwiliśmy się, jak zareagują, ale byliśmy naprawdę szczęśliwi, że wszystkim podobał się film i dobrze się czuli, jak ich przedstawiliśmy. To zawsze był nasz cel – aby uczcić tych ludzi, dorastaliśmy obserwując ich i podziwiając. 

W The Once And Future Smash jest wiele żartów i odniesień do serii horrorów. Jak to wszystko połączyłeś?

Jesteśmy wielkimi fanami horrorów i naprawdę chcieliśmy, aby było to święto historii horroru! Kiedy Michael pisał, starał się znaleźć równowagę między żartami, które byłyby odpowiednie dla szerokiej publiczności, a głębokimi dowcipami, które nagrodziłyby widzów, którzy naprawdę znają się na horrorach. Ktoś zapytał nas, ile jest odniesień w tych dwóch filmach i zdecydowanie straciliśmy rachubę, ale to dużo! 

Kiedy Aaron montował, również świetnie sobie radził, kontrolując ton i wycinając żarty, które nie działały lub wydawały się zbyt niejasne. Aaron dodał także kilka wizualnych żartów – takie rzeczy jak synchronizacja chyronu jako puenty. 

Czy będzie End Zone 3? Czy pewnego dnia zobaczymy więcej Smash-Mouth?

Mamy tak wiele pomysłów na filmy, które chcielibyśmy nakręcić, więc raczej nie wracamy do projektów, ale jest dla nas coś wyjątkowego w uniwersum End Zone. Myśleliśmy o zrobieniu remake'u End Zone 1 lub End Zone 3D, ale wszystko będzie zależało od finansowego sukcesu obecnych filmów. Krótko mówiąc, jeśli istnieje zapotrzebowanie na więcej, które uzasadnia budżet, zrobimy więcej!

Będąc mockumentem, jaki był poziom dialogów improwizowanych w stosunku do scenariuszy?

Jak wspomnieliśmy, konkurs kostiumowy był całkowicie spontaniczny. W przeciwnym razie w filmie jest bardzo mało improwizacji. Powiedzieliśmy wszystkim gadającym głowom, że mogą riffować linie lub przeformułować je, więc trochę tego się wydarzyło tu i tam. Oto kilka przykładów: Jared Rivet wymyślił kilka tytułów filmów o zemście w piłce nożnej, które trafiły do ​​kin, a James Branscome świetnie się bawił, dodając dowcipy o Wietnamie do prawie wszystkich swoich kwestii.  

Czy istnieje data dystrybucji/wydania TOAFS i End Zone 2?

Od prawie roku prowadzimy rozmowy z dystrybutorami i otrzymaliśmy wiele ofert, ale szukaliśmy gwarancji z góry, która pokryje niewielkie budżety obu filmów. Rynek jest teraz taki, że większość dystrybutorów boi się podejmować ryzyko, zwłaszcza w przypadku tak nietypowego projektu jak ten. Więc najprawdopodobniej będziemy współpracować z agregatorem i zrobimy samodzielną premierę filmu tej jesieni. To była dla nas udana ścieżka w przeszłości i nie mamy obaw przed przyjęciem takiego podejścia. Oznacza to również, że naprawdę będziemy w stanie kontrolować film i określić najlepszy sposób podzielenia się nim ze światem. Data premiery nie jest jeszcze ustalona.

Nad czym oboje teraz pracujecie?

Sophia będzie autorem zdjęć do wielu filmów fabularnych kręconych od teraz do końca roku, które nie zostały jeszcze ogłoszone publicznie, a Michael pisze do nadchodzących filmów fabularnych, Manicorn (reż. Jim McDonough) i A Hard Place (reż. J Hortona). Obaj pracowaliśmy również nad nowym filmem Matta Stuertza, Wake Not the Dead, który zapowiada się świetnie! 

Zawsze też żonglujemy naszymi własnymi projektami, aby zobaczyć, jakie zasoby wypływają na powierzchnię, aby ożywić następną rzecz. Trzymając kciuki, możemy powiedzieć, że pracowaliśmy nad tajemniczym morderstwem, które mamy nadzieję nakręcić tej zimy z Sophią w reżyserii i Michaelem w scenariuszu i produkcji.